Flos Vanus – Adabana

Brought to Bloom

Historische Künstlerinnenbegegnung in der Performance "Flos Vanus – Adabana“ von Yui Kawaguchi, Julia Kursawe und Anna Fusek im Rahmen des soundance festival berlin, 14. Juni 2026

Von Lea Pischke

Eine Person mit einem Cello in der Hand steht hinter einem Notenpult auf der Bühne und richtet sich freundlich an das Publikum. Sie führt in den Abend ein, erzählt von Izumo no Okuni, der Begründerin des Kabuki-Theaters in Japan im frühen 17. Jahrhundert, und Isabella Leonarda, einer der raren weiblichen Komponistinnen des italienischen Barocks, deren Kompositionen überliefert sind. Das Werk dieser beiden Frauen, die im selben Jahrhundert lebten, aber sich zu Lebzeiten nie gekannt haben, wird innerhalb einer Stunde auf der Bühne des DOCK ART aufeinandertreffen.

Nach der kurzen Ansprache erklingt Flötenspiel. In Anlehnung an das Kabuki-Theater, deren Vorstellungen mit Flöten- und Trommelspiel während des Aufziehens des Vorhangs begleitet werden, schreitet die Musikerin Anna Fusek auf der Bambusflöte spielend vom Eingangsbereich des Theaters zur Bühne. Darauf befindet sich bereits die Cellistin Julia Kursawe, gekleidet in ein neutral-funktionales, entfernt japanisch anmutendes Gewand. Choreografin und Tänzerin Yui Kawaguchi erscheint im Dunkel aus der Hintertür und gleitet in das Bühnengeschehen hinein.

„Flos Vanus – Adabana” ist ein Hybrid aus einem Konzert und einer Tanzvorstellung, welche unangestrengt und angenehm lose miteinander verwoben werden, ohne dass sich die jeweiligen Kunstformen in die Quere kommen oder beim Publikum um Aufmerksamkeit buhlen müssen. Der Titel selbst ist eine hybride, europäisch-japanische Komposition: Das lateinische „Flos Vanus“ bedeutet direkt übersetzt „vergebliche Blume”, das japanische Wort „Adabana“ hingegen steht für die “Blume, die keine Früchte trägt”. Ein politisches Statement: Mit „Flos Vanus – Adabana” wird dem künstlerischen Schaffen zweier Frauen gewürdigt, die wahrscheinlich zu Lebzeiten nicht die Frucht ihres Schaffens so genießen konnten, wie es ihre männlichen Pendants gekonnt haben.

Die gespielten Stücke sind der Wahl der Instrumente und den melodisch-harmonischen Aufbauten nach zu urteilen entweder japanische Kompositionen oder Werke der Alten Musik, bisweilen aber auch eigene Arbeiten des Ensembles ImPuls der Suite. Der Inspiration durch Okuni und Leonarda folgend, gerät das Trio jedoch nicht in die vermeintliche Verpflichtung, ausschließlich Werke der jeweiligen Künstlerinnen vortragen zu müssen. So erklärt sich auch die Dramaturgie des Abends, der mit dem Stück für Bambusflöte „Die rote Libelle“ von Kousaku Yamada aus dem Jahre 1927 seinen Anfang bestreitet, und damit offensichtlich macht, dass „Flos Vanus – Adabana” keinen historiographischen Auftrag hat.

Kurze Interaktionen der drei Personen untereinander pointieren das Bühnengeschehen: Die am Spinett sitzende Fusek wird bei ihrem Spiel von dem agilen rechten Fuß der neben ihr liegenden Kawaguchi auf komische und freundliche Weise teils bedrängt, teils begleitet. Bei einer Improvisation für Cello und Irish-Thin-Whistle steht die Tänzerin hinter den Musikerinnen und, von der Musik ergriffen, ruft sie “Wuhuu!”, rasch und verschämt etwas Konfetti werfend. Manchmal charmant wirkend, manchmal etwas kindisch und Beifall beim Publikum erheischend, legen sich solche kleinen Blicke und Gesten als postdramatische Flunkereien auf die Tanz- und Instrumentalarbeit: „Ja, wir sind Menschen und nicht in unseren Rollen gefangene Interpretinnen“, scheint die Botschaft zu sein.

Die ästhetische Lebendigkeit erhält „Flos Vanus – Adabana” jedoch von einer Zahl von anderen, kleinen Glanzmomenten der Korrespondenz zwischen tänzerischer Bewegung, musikalischer Darbietung und szenographischen Einschüben. Ein Beispiel: Nach einigen vorgetragenen Stücken kleidet sich Kawaguchi in einen Kimono, bindet den Obi (Gürtel) um und setzt sich auf einen Schemel. Dann klappt sie den Kimono an einigen Stellen auf, legt eine Schulter bloß, so dass die Motive des inneren Stoffes zu sehen sind. Zu schneller Musik beginnt sie ausgelassen zu tanzen, ihre Gliedmaßen Teil der Komposition aus Stoff, Haptik und Farbe. Im Sprung winkelt sie ihre Arme und Beine, der Stoff klappt hoch und für einen kurzen Moment wirkt es, als ob sie förmlich in der Luft hinge. Es ist dieses Spiel des Innen und Außen, des Scheibenartigen an dem Textil, was den Blick auf den tanzenden Körper prägt und lenkt.

Das Kabuki-Theater fand seinen Anfang im Tanz: Ende des 16. Jahrhunderts war die junge Izumo no Okuni Tänzerin eines Schreins in der japanischen Provinz Izumo, von wo aus sie zur damaligen Hauptstadt Kyoto aufbrach, um mit tänzerischen Darbietungen Spenden für den Schrein zu sammeln. Sie zeigte eine Mischung aus Tanz und selbstkreierten Sketchen, und trug dabei wechselweise traditionelle Männer- und Frauenkleidung. Ihre ungewöhnliche Art von Aufführung war beliebt und fand schnell Anhänger. Das sich aus ihren Solodarbietungen entwickelnde Kabuki-Theater erlebte seine erste Blüte Anfang des 17. Jahrhunderts und wurde zuerst vornehmlich von Frauen, zumeist Kurtisanen, aufgeführt. Später erst setzte sich die Konvention des exklusiven Männerensembles – das auch die Frauenparts übernahm – durch.

Die Komponistin Isabella Leonarda scheint ebenso in ein besonderes Zeitfenster hineingeboren worden zu sein, welches ihr als Frau in einem patriarchalischen Umfeld erlaubte, zu komponieren und ihre Kompositionen auch mit eigenem Namen zu zeichnen. Nach dem Ende der Renaissance, mit dem Beginn der Neuzeit, prägten – auch wenn das wenig bekannt ist – gerade weibliche Komponistinnen mit ihren Werken die Entwicklung der italienischen Musik. Isabella Leonarda wurde als Tochter einer reichen norditalienischen Familie, wie damals nicht unüblich, mit sechzehn Jahren in ein Kloster gegeben, wo sie von der Organistin und Kapellmeisterin Elisabetta Casata im Orgelspiel und von dem Kapellmeister Gasparo Casati in Komposition unterwiesen wurde. In ihrer Lebenszeit komponierte sie über 200 Werke – mit einer besonderen Vorliebe für Motette – und gehörte jener Gruppe an Frauen an, die Anfang des 17. Jahrhunderts im Rahmen ihres monastischen Lebens als Musikerinnen, Komponistinnen und Chorleiterinnen aktiv waren und großen Einfluss auf die Entwicklung des italienischen Barocks nahmen.

Die Vorstellung von Julia Kursawe, Anna Fusek und Yui Kawaguchi ist eine „zeitgenössische Blume“: es wird sich auf Izumo no Okuni und Isabella Leonarda bezogen, einige ihrer Werke auch vorgetragen, gleichzeitig präsentiert das künstlerische Team den eigenen Annäherungsversuch als eigenständige dritte Komponente: Die Plastizität des Klanges von Violine und Cello, mit bisweilen eingesetzter “Sul Tasto” – Bogentechnik, die spitze Tonalität des Spinetts und das starke, fast kitzlige Spiel der Flöte bieten eine sensorische Wolke der Wahrnehmung, die die vergangenen Jahrhunderte seit dem Leben der beiden Künstlerinnen in sich zusammenfallen lässt und uns ein multidimensionales Hörerlebnis beschert.

Durch den besonderen Fokus auf die Korrespondenzen wird zudem auch die körperliche Präsenz der Musikerinnen einem stärkeren szenischen Blick unterzogen, als es ein Konzert vermag: die melodramatisch hochgezogenen Augenbrauen, das Einziehen des Kinns oder das Wiegen des Kopfes, Gesten, die im Instrumentalspiel fast reflexhaft auftreten, entfalten bei „Flos Vanus – Adabana“ dieselbe Wirkung wie die dick aufgetragene Schminke im Kabuki: die Gefühle oder Charakterzüge werden unterstrichen.

Noch ein kleiner Wink an das Kabuki-Theater gegen Ende des Abends: Tänzerin Kawaguchi verlässt die Bühne und erscheint hinter einem Fenster im Backstage-Bereich. Gleich einer Charakterfigur, schemenhaft präsent und vom Hauptort der Aktion abgetrennt, steht sie hinter dem Fenster, während die Kreuzstruktur des Fensters angeleuchtet wird: eine Reminiszenz an die Shoji-Türen in Häusern des alten Japan und eine sehr passende Art, die Architektur des DOCK ART in die Aufführung gewinnbringend einzubinden.

Foto: Dieter Hartwig