Comfort Zone

Queer Church Of Ballet

Ein Fest der Superlative

„Comfort Zone“ von Tomi Paasonen und Colin Comfort
Ein Spiel zwischen Mythos und Reality-Show, um dem Tunnel der Einsamkeit zu entfliehen

deutsche redaktionelle Übersetzung mit Hilfe von deepl;
Originaltext in Englisch von Louise Truehart

Der einsame Tomi schlendert frustriert über die Bühne, sichtlich frustriert. Er tanzt in kleinen Schritten hin und her und folgt dabei einer Energie, die gefangen in seinem Körper umherirrt. Von Zeit zu Zeit gibt er dieses innere Herumtollen auf, um ein mit Pailletten besetztes Herz herum zu schwingen, wobei er dessen langen, nabelartigen Schwanz manchmal gefährlich um seinen Hals schlingen lässt. Er ist niedergeschlagen.

Colin taucht aus der Ecke auf. Sie nähern sich einander, kokett und zögerlich, schnuppern heimlich an den tiefsten Spalten des anderen, bis sie sich zu einem gemeinsamen Tanz vereinen. Das Publikum jubelt. Nach einer Weile gelangen sie zu etwas, das ich als getanzte Abstraktion einer Sexszene interpretierte, die eine Position erforderte, in der sie ihr Gewicht teilten, ihre Beine ineinander verschränkten und gemeinsam wie in einem Ruderboot saßen. Es ist intim und lieblich. Das ist Tanz als Geschichtenerzählen, und die Geschichte handelt davon, wie zwei Menschen es geschafft haben, einander zu finden – trotz der Schrecken von Grindr und der Epidemie der Einsamkeit. Tomi sagt, er hätte nicht gedacht, dass er jemals mit jemandem zusammenkommen würde, und habe „es schon so gut wie aufgegeben, bis ich Colin traf“.

Mit keuchenden Worten leiten sie eine zweite Phase des Stücks ein und wenden sich dem Text zu, um über die Heilung nachzudenken, die sie in ihrer Beziehung erreicht haben. Sie sind ungezwungen, persönlich und ziehen das Publikum ganz nah heran. Sie erzählen Anekdoten über Orte des Glücks, ihre Eltern, Kinderspiele und wichtige Bezugspersonen (für Tomi eine Fliege, die seinen Körper in der Pubertät kitzelte, und für Colin einige Tanten, die alle 17 Strophen von American Pie ausgedruckt hatten, um sie gemeinsam am Küchentisch zu singen).

Es ist Colins erster Auftritt in einer zeitgenössischen Tanzaufführung. Normalerweise tritt er als Dragqueen namens Gieza Poke auf, die seit einem Jahrzehnt in der Drag-Szene erfolgreich ist. Es war bewegend, als Colin sich mit seinem richtigen Namen vorstellte: „Hallo, mein Name ist Colin Comfort, und das kann ich auf der Bühne nicht sehr oft sagen.“ Er liebt seine Drag-Rolle – sie ist ein Thema des Stücks –, aber ihm fällt unweigerlich auf, dass Gieza eine Hülle sein kann, hinter der er sich versteckt.

Tomi tanzte früher beim Hamburg Ballett, und seit der Verletzung, die seinen Abschied aus dieser Welt zur Folge hatte, blickt er auf eine jahrzehntelange, produktive Karriere im zeitgenössischen Tanz zurück. Ihre gemeinsame und doch unterschiedliche Beziehung zur Bühne lässt das Stück eine Brücke zwischen ihren beiden Genres schlagen: einer Tanzshow und einer Drag-Show. „Comfort Zone“ entpuppt sich als freche Fehlbezeichnung, da in gewisser Weise weder Colin noch Tomi diese Zone als eine bezeichnen würden, die sie gut kennen.
Es ist jedoch heilsam, wie wir alle hier an der Grenze verweilen können, ohne genau wissen zu müssen, was das Stück eigentlich ist. Eine Gruppe von Zuschauer*innen brachte eine ganze Flasche Wein mit Gläsern von der Bar mit, um sie von ihren Plätzen aus zu genießen. Eine andere Gruppe im hinteren Bereich ist gesprächig, gibt Kommentare ab, lacht, gurrt und klatscht zu verschiedenen Witzen und Improvisationen. Andere bleiben still, beobachten die Bewegung und die Dramaturgie und geben sich damit zufrieden, mit leeren Händen im Dunkeln zu sitzen.

Habe ich schon erwähnt, dass sie die ganze Zeit über in mit Pailletten besetzten Trainingsanzügen auftraten, an deren Kapuzen bärenartige Ohren angenäht waren? Ich war mir nicht sicher, was es mit den Kostümen auf sich hatte, und nahm lediglich wahr, wie niedlich und kuschelig sie wirkten und dem Ganzen eine zusätzliche Ebene funkelnder Fantasie verliehen. Dass Colin auch Kostümdesigner ist, wurde mir klar, als das Stück in einem Crescendo aus Kostümenthüllungen gipfelte, von denen eine atemberaubender war als die andere. Sie riefen Frauen in den Raum, die gar nicht da waren – jemand, mit dem Tomi früher Ballett getanzt hatte, erschien in einem Zelt als Rock und mit Plastikfolien als Tüll und Flügeln. Tanten tauchten auf, deren Brüste wippten. Das Zelt wird umgedreht und wird so zur letzten Figur, komplett mit Mund zum Lippensynchronisieren, Uvula und einer gerüschten Vulva darunter.

Sie singen den Kult-Song von Jackie de Shannon, „What the world needs now is“ – der Ton bricht ab – „wie wäre es, die Milliardäre zu besteuern??“ Der Song lässt das entscheidende Wort „Liebe“ immer wieder weg, das sie durch konkretere Dinge ersetzen, wie zum Beispiel mehr Kulturförderung. Dieser Witz und der scheinbar politische Dreh kommen gut an, und das Publikum ist begeistert. Ich habe mich allerdings gefragt, warum dieses Material im Stück geblieben ist, da ihre Liebesgeschichte und ihre gemeinsame Energie die treibende Kraft dieses Werks sind. Natürlich ist schwule Liebe, queere Liebe, politisch, und natürlich sollten wir die Reichen besteuern, aber dieser Teil kam aus dem Nichts. Es fühlte sich so an, als solle er eine Reihe politischer Überzeugungen signalisieren, aber als hätte das Stück sich nicht die Mühe gemacht, diese Überzeugungen zu integrieren.

Drag und Tanz – und wohl jede Kunstform – sind hervorragend darin, Mythen zu schaffen. Diese beiden Künstler scheinen ihre künstlerischen Praktiken vereint zu haben, um genau dieser Aufgabe zu dienen: der Mythologisierung – wenn auch auf unbeschwerte Weise – ihrer Liebe und ihres gemeinsamen Lebens. Das abschließende Video ist eine Montage aus Handyaufnahmen, die sie im Laufe der Jahre voneinander gemacht haben. In den Videos tanzen sie, rennen herum, küssen sich, lachen, umarmen sich oder sind auf irgendeine Weise voller Energie. Mythos und Realität verschmelzen – sie feierten ihre Liebe in vollen Zügen.

Louise Trueheart ist Autorin, Performerin und Dramaturgin. Aktuell schreibt sie über Niederwerfung, Weinen und die Figur des Lammes. Seit 2013 ist sie in der Berliner Performance-Szene aktiv.